Recensione: Away Minerva - My only radio (EP 2014)

Recensione: Away Minerva - My only radio (EP 2014)

febbraio 28, 2014   Recensioni-Emergenti,

Un po' di storia della band (copiata spudoratamente dalla loro biografia su Facebook): Gli Away Minerva sono 5 ragazzi di Roma. Formati nel 2011, nei primi mesi di prove il gruppo si concentra sull’esecuzione di brani delle storiche band dell’Alternative rock, come Radiohead e Incubus. Si lanciano quasi subito nella produzione di pezzi originali fino ad arrivare alla registrazione del loro primo EP, pubblicato nel Febbraio del 2014. A seguito delle registrazione avviene la sostituzione prima temporanea, poi definitiva del batterista. Il loro stile si inquadra in un Alternative Rock espresso in varie forme, variabile da duro e incalzante, a più lento e melodico.

Ora, non sono un fan dei gruppi citati sopra e non sono fan dell'alternative rock, ma quando una cosa é fatta bene, é fatta bene. E questo EP My only radio é fatto bene. Certo, i suoni potrebbero essere migliori e non tutto in generale é perfetto, ma le canzoni hanno il loro perché e la band da la sensazione di essere solida, con la testa sulle spalle e che sa benissimo cosa vuole e dove voglia andare a parare (non so cosa volessi dire, in realtá). Ottime le voci, curate benissimo con delle sempre opportune e ben studiate sovraincisioni e uno stile che mi riporta agli Incubus e ottimi anche tutti gli altri elementi, mai banali in quello che fanno. 

I 4 brani di questo My only radio sono tutti convincenti e realizzati con buone idee e personalitá. Il mio preferito del lotto é probabilmente l'opener nonché title track My only radio, bel pezzo energico che fa subito presa, ma merita una citazione anche la conclusiva Down below, con dei riferimenti (per me) chiari a Jeff Buckley.

Per quando mi riguarda, consiglio l'ascolto di questo EP. Lo trovate pure gratis online, che volete di piú?

Tracklist:

1) My only radio

2) Schola

3) breath of my soul

4) Down below

http://awayminerva.bandcamp.com/https://soundcloud.com/away-minerva
https://soundcloud.com/away-minerva/sets/my-only-radio-ep

Continue Reading

Recensione: Nera luce - Ad occhi chiusi

Recensione: Nera luce - Ad occhi chiusi

febbraio 26, 2014   Recensioni-Emergenti,

La storia dei Nera Luce comincia come per molte band. Nel 2002 un gruppo di amici si ritrova e, vista la comune passione per la musica, inizia il suo percorso. Diverse sono le esperienze live necessarie a trovare un buon affiatamento e ad individuare la strada giusta da intraprendere. Con la crescita costante si fa largo nel gruppo l’esigenza di comporre brani propri, abbandonando l’immagine di gruppo di sole cover.
Dopo le importantissime esperienze e le partecipazioni a Sanremo giovani, Tim tour, il Pistoia blues festival o l'apertura del concerto di Andy Timmons, la band comincia a lavorare in studio e pubblica nel 2010 il debut Luci nell'ombra.
Nel 2013 è la volta di Ad occhi chiusi, che andiamo a recensire adesso.

Un riff duro come un macigno ci da il benvenuto, è Ultima ora, l'opener dell'album e, non appena faranno il loro ingresso le vocals, non si farà fatica ad accostarle a quelle degli Alice in chains. A proposito di vocals, facile intuire dai titoli che sono in italiano, lingua che sinceramente non prediligo per il rock, ma che sono comunque convincenti.
Per il resto, solamente leggendo le esperienze sopra citate, capiamo che stiamo parlando di una band con molta esperienza, professionale e assolutamente matura e l'ascolto di questo Ad occhi chiusi lo conferma assolutamente. Ogni musicista fa il suo con ottimo gusto e con estrema professionalità e la buona produzione del disco gli permette di esprimersi al meglio in tutte le diverse atmosfere presenti.

Oltre l'opener, una citazione d'obbligo per la bella ballad Il tuo soffrire (grandissimo il solo finale) il drumming incisivo e vario di La voglia nascosta, la affascinantissima Ombre, la "taranta" di Taranta violenta, il basso distorto che ci introduce la coinvolgente Istantanee, il meraviglioso drumming che contraddistingue la title track, la performance vocale di Bambola (la più incisiva del disco, sotto questo punto di vista), la poetica Domani, e la conclusiva cover di Mina Insieme. Davvero una cover meravigliosa, dove la band mostra tutta la personalità, stravolgendola quasi completamente (ad essere sincero l'ho riconosciuta solo nel ritornello).

Tutto, in questo disco, è al posto giusto: le composizioni sono ottime, piene di idee, cosí come sono di pregevole fattura l'esecuzione e la registrazione. Devo aggiungere altro?

Top tracks: Il tuo soffrire, la voglia nascosta, Ombre

Contatti
www.facebook.nera.luce Continue Reading

Top 10: Canzoni allegre

Top 10: Canzoni allegre

febbraio 24, 2014   Top 10,

Dopo la top 10 delle canzoni tristi, ecco l'alter ego (!?).

Anche qui c'é solo l'imbarazzo della scelta e i vostri suggerimenti sui social media sono stati parecchi, grazie per l'aiuto!

Ho inserito solo canzoni Rock/metal e non ho esteso ad altri generi, sennó la classifica sarebbe stata piena di Ska, funky, Bob Marley e James Brown. Partiamo!

10) Queen - Don't stop me now
La canzone perfetta per caricarti.
Magari ti svegli la mattina e hai bisogno di una spinta, ecco... Mettete su questa canzone, vi aiuterá (perlomeno lo spero). Certo, i denti di Freddie erano da censura, magari ascoltatela e basta.

9) Katrina And The Waves - Walkin' On Sunshine
Non so chi cacchio sia sto gruppo, ma, alla fine, la canzone é rock e non si puó non ammettere che sprizzi ottimismo a destra e sinistra (ma anche su e giú), quindi la inserisco.

8) Bon Jovi - Who says you can't go home
Delle tante "disponibili" dei Bon Jovi, ho scelto questa.
Non chiedetemi perché, ma mi rilassa e mi mette sempre di buonumore. Inoltre, dopo averla ascoltata, comincio a canticchiare per le successive 2-3 ore: "It's alright...It's alright..." (fatto che, in realtá, non mi mette affatto di buonumore)

7) Edguy - Lavatory love machine
Band allegra e, anche loro, con tante canzoni potenzialmente adatte a questa top 10.
Ho scelto Lavatory love machine perché ha un testo che non ha senso (un aereo che sta per cadere e Tobias Sammet che flirta con la hostess) e un video abbastanza stupido, con loro che fanno i cretini e tutto il resto. Si vede anche dall'anteprima.

6) Zebrahead - Playmate of the year
In realtà questa è cosí schifosamente allegra da essere quasi fastidiosa. Anzi, tolgo il quasi: é dannatamente fastidiosa, ma non si puó nascondere il fatto che sia allegra. Schifosamente. Ok, l'avevo giá detto. (scusate, sto impazzendo, é l'effetto della canzone). Forse dovrei fare una top 10 sulle canzoni fastidiose. Schifosamente.

5) Oasis - Rock n' roll star
Canzone perfetta per cominciare una gita, magari in macchina, a tutto volume. Se non ci credete, provatela, cambierá l'umore del viaggio. Mi mette un sacco di buon umore come Liam pronuncia la parola Sunshine (saaaunshiiiiaiiinnnn). Tooooooooniiiiiiiiiiiiiiggtttttt IIIIII'mmmmmm a roooockkk n' roooooolll staaaaaaaaaarr.

4) Stealers Wheel - Stuck in the middle with you
La canzone a molti ricorderá la famosissima scena de "Le iene" di Quentin Tarantino. Il successo di quella fu proprio decretato tra il contrasto dell'allegria che mette questa canzone e la "crudezza" delle immagini. Quando ascolto questa canzone istintivamente faccio il "passetto" scemo di Mr Blonde. Volevo mettere lo spezzone del film al posto del videoclip, ma poi ho pensato che é una top 10 allegra, quindi meglio lasciarla dove sta.

3) Helloween - Rise and fall
Beh, gli Helloween sono i portatori sani dell'Happy metal e non potevo non inserirli in classifica. Ho scelto Rise & fall perché ha un testo che mi fa ridere e la melodia portante sembra presa da un cartone animato, se gli cambiate l'arrangiamento (tipicamente metal) potrebbe benissimo esserla. Poi mi piace un sacco la risata all'inizio. Pensatela con la voce di Cristina D'avena e i suoni di Memole dolce Memole, funzionerá lo stesso.

2) David Lee Roth - California girls
E' ovviamente una cover dei Beach boys, ma mi mette persino piú allegria dell'originale, merito anche delle ragazze nel video e della faccia di culo di David (sempre nel video). La canzone funziona magnificamente anche senza videoclip, sia chiaro.

1) R.E.M. - Shiny happy people
La vincitrice assoluta per me é questa. Non delude da nessuno punto di vista: testo, musica, andamento, video, costumi... Persino nell'abbigliamento da denuncia dei due cantanti. Il trucco della donna e il cappellino giallo (al contrario) di Michael Stipe gridano vendetta. Nel dizionario dei sinonimi e contrari dovrebbe esserci una voce per questa canzone, associata alla parola happy, ovviamente. Se siete tristi e vi manca l'allegria (cit.) mettete su questa canzone, vi passerá tutto.



CLICCA QUI PER ALTRE CANZONI ALLEGRE

Continue Reading

Recensione: Rush - Moving pictures (1981)

Recensione: Rush - Moving pictures (1981)

febbraio 22, 2014   Recensioni,

Artista: RUSH

Album: MOVING PICTURES
Anno: 1981
Genere: Prog Rock / Hard Rock
Tracce: 7
Durata: 40'07''
Etichetta: Mercury
Produttori: Rush, Terry Brown

Recensione di Loris

Di fronte a certe “pietre miliari” della musica di tutti di tempi, diventa quasi superfluo spendere delle parole che poco aggiungerebbero a quello che già dice la musica stessa, attraverso emozioni, sensazioni e sfumature che trascendono la ragione e si sintonizzano direttamente con i propri sensi e la propria anima.

Moving Pictures è il disco simbolo, insieme a 2112, della storia dei RUSH, quantomeno a livello di popolarità, anche se per molti, critici e fans, l'album in questione è da considerarsi proprio la summa, in senso assoluto, del talento e della grandezza del trio, una sorta di “opera magna” che si staglia sopra tutti gli altri capitoli della loro altrettanto importante discografia. Questione di opinioni e visioni soggettive, certo, ma al di là di ciò questo disco è oggettivamente un classico e un pilastro della musica Rock, senza tempo. Posto in coda alla seconda fase del gruppo, ha segnato dopo Permanent Waves, uscito l'anno prima, un progressivo avvicinamento alle sonorità che avrebbero preso corpo dalla terza fase (1982-1989), più dirette e più improntate alla forma canzone, rispetto alle composizioni lunghe ed articolate sul modello delle suìte degli album che vanno dal 1975 al 1978. Tutto ciò senza perdere quel tipico modo di comporre, tutto “rushiano”, all'insegna della novità e dell'estro musicale, con la solita proverbiale mentalità progressive che ha sempre contraddistinto lo stile del “Power Trio” di Toronto.

La copertina raffigura il Palazzo di Giustizia dell'Ontario, a Toronto, con le sue celebri tre arcate, davanti cui si muovono dei personaggi che trasportano dei quadri che raffigurano nell'ordine: la figura di Giovanna D'Arco, un celebre dipinto di Cassius Marcellus Coolidge in cui sono rappresentati dei cani che giocano a poker, e l'immagine della retrocopertina di 2112 con l'uomo davanti alla stella (Starman).

Cover art sempre a cura di Hugh Syme, come da tradizione di lungo corso.

“A modern day warrior mean mean stride,

today's Tom Sawyer mean mean pride...”

Questo è l'incipit del pezzo cardine del disco, destinato a diventare un inno per i fans del gruppo canadese: TOM SAWYER. Il ritratto dell'eroe moderno, con il suo spirito libero e ribelle, in cui dominano un forte individualismo, una mentalità aperta e una gran voglia di cambiare il mondo in cui vive.

Il suo testo, scritto a 4 mani da Pye Dubois, che successivamente collaborerà ancora con i RUSH, e naturalmente dal solito Neil Peart, è basato su un' opera del primo, dal titolo “Louis the lawyer”, poi rivisitata e arricchita per l'occasione. Peart, dal canto suo, si è immedesimato nei panni di questo “eroe”, aggiungendovi una forte componente personale ed in parte, potremmo dire, autobiografica, concentrandosi, tra le altre cose, sul principio secondo cui spesso le persone hanno una visione distorta di ciò che le altre persone sono realmente, perché tendono a farsi un'idea solo sulla base delle proprie percezioni e sensazioni e non sulla realtà oggettiva.

L'inconfondibile suono in apertura, creato da Geddy Lee con lo storico synth OBERHEIM OB-X, a cui seguono i 16imi di Neil Peart sull'hi-hat, ci cala nell'atmosfera del pezzo, con quel velo di suggestione ad accogliere l'ascoltatore. Lifeson non tarda ad entrare con la sua ruggente chitarra, i suoi accordi aperti tratteggiano la seconda strofa, in cui il suo riff prende piano piano il sopravvento, sempre in tandem con il tappeto tastieristico di Lee e la batteria tecnica di Peart.

Il brano gira su un tempo di 4/4, che poi cambierà in 7/8 nelle strofe, fino ai 13/16 della parte strumentale che culmina prima con l'intenso assolo di chitarra di Lifeson e subito dopo con il celebre e spettacolare stacco di batteria di Neil, riconosciuto come uno dei suoi momenti più memorabili. Dopodiché, la stessa struttura del brano si ripete con i tempi sopracitati, fino alla sua chiusura.

Il brano è ben equilibrato tra chitarra e tastiera, infatti Geddy Lee si cimenta nell'altrettanto famosissimo “ostinato” tastieristico che poi è il riff principale, suonato dopo l'inciso e riproposto anche verso il finale con una piccola variante che fa da coda al pezzo. Naturalmente anche il basso ha sempre la sua gran voce in capitolo, con una linea incisiva e che ha fatto la storia del rock. LEGGENDARIO. VOTO 9,5

Si udono degli armonici di chitarra in lontananza, che piano piano prendono il centro della scena accendendo l'inizio di una favola... motoristica.

C'era una volta una bella macchina da corsa, rossa fiammante, dalla storia gloriosa e soprattutto dal marchio italiano, che soleva sfrecciare per le strade di... ehm, forse ci siamo fatti prendere un po' troppo la mano, ma la storia che la penna di Peart ha ricamato in questa canzone non si allontana poi tanto da questi toni. Traendo ispirazione dalla novella di Richard Foster, “A nice morning drive” Neil racconta di un futuro remoto in cui le auto a benzina sono state bandite da un'organizzazione di nome “Motor Law”, a favore di veicoli alimentati da aria compressa, superleggeri, in fibra di alluminio. Il protagonista della storia, che vive in questo periodo storico, ha uno zio che conserva gelosamente nella sua proprietà in campagna, che era una fattoria prima della legge della Motor Law, un raro esemplare di Barchetta rossa che usa la domenica per fare il consueto giro settimanale. Proprio durante una di queste classiche scampagnate domenicali, la storica RED BARCHETTA si imbatte in uno di questi veicoli futuristici che sfreccia in tutta la sua velocità e leggerezza, come a voler ingaggiare una gara con il “vecchio” veicolo. Tra versanti montuosi e lungo fiumi, ha inizio una frenetica rincorsa tra le due auto, fino al momento in cui sopraggiunge una terza auto, sempre ad aria compressa, che si unisce a questa folle corsa che poi termina davanti al passaggio di un ponte, troppo stretto per i due modelli futuristici, così la Barchetta vi passa indenne e rientra piano piano verso casa.

Una storia affascinante, ricreata perfettamente dal testo di Peart e dalla musica di Lifeson e Lee. Sembra veramente di trovarsi al volante della Barchetta, con il vento tra i capelli, l'ardore motoristico nel cuore e la voglia di rivalsa in barba alle rigorose leggi imposte dalla Motor Law e che hanno appiattito ogni velleità di passione, sportività e grinta automobilistica.

Il protagonista, alla fine del racconto, ritorna a sognare quei bei tempi andati davanti al fuoco del suo caminetto, in compagnia dello zio, nel salotto di casa, in un clima quasi “fiabesco”.

Musicalmente è sicuramente uno dei brani più rappresentativi del timbro Rush: geniale, visionario e ricco di dinamiche e cambi di ritmo. Degno di nota l'assolo di Lifeson, che, con l'aiuto del pedale wah wah, tende a ricreare lo scenario movimentato della storia, in maniera perfetta. Altrettanto vario e fantasioso il lavoro batteristico di Peart che svetta grazie alla sua energia e al suo arrangiamento “ad hoc” per tutta la durata del pezzo.

Geddy fa il resto con una linea di basso pulsante e rotonda, dal suono secco e che macina note come un pistone - rimanendo in tema di motori - e nel finale si cimenta anche in un piccolo ma rilevante “solo” di basso che lascia sfumare la canzone, prima di un ultimo fraseggio di chitarra che ci riporta al tema iniziale. CAPOLAVORO. VOTO 9,5

(- . - - - . - - - - . .)

A vederli così, potrebbero sembrare una serie di “segni” messi così a caso, ma in realtà è semplice e puro linguaggio Morse. Per conoscere il suo significato, “voliamo” idealmente all'aeroporto Lester B.Pearson di Toronto, e scopriamo che dietro a questi segni si celano tre lettere: YYZ, ovvero il codice IATA che identifica proprio il suddetto aeroporto canadese da cui sono spesso iniziati e finiti i viaggi dei loro Tour mondiali.

“IT'S ALWAYS A HAPPY DAY WHEN YYZ APPEARS ON OUR LUGGAGE TAGS.”

Con questa dichiarazione Geddy e Neil hanno sempre voluto esprimere il loro amore per la loro terra natia, e la loro felicità nel rivedere il loro Paese, ogni volta, dopo lunghi periodi passati in giro per il mondo a suonare.

Tornando al brano in questione, di fatto lo strumentale più famoso della loro storia, è inevitabile riconoscere l'estrema genialità che lo contraddistingue: costruito su un tempo di 5/4, propone il codice Y-Y-Z in linguaggio morse, suonato attraverso vari e articolatissimi passaggi strumentali, di batteria, chitarra e basso.

L'apertura è riconoscibile da un suono di “campanelline” ricreato da Peart, prima di attaccare con il pattern su rullante e hi-hat, parallelo al riff di chitarra di Lifeson, tagliente e penetrante e alla linea di basso di Lee, altrettanto secca e decisa, il tutto “ammorbidito” da un synth, manovrato dallo stesso Geddy con un pedale, e che dà quell'atmosfera “sospesa” e quasi intrisa di mistero all'introduzione. Subito dopo degli accenti di batteria, seguiti da una potente rullata che accompagna una scala chitarristica, ci troviamo catapultati nella prima strofa, composta da un riff di chitarra di assoluto gusto di Alex che poi si evolve attraverso passaggi tecnicamente e ritmicamente di livello elevatissimo. In tutto questo scenario, il basso è onnipresente con una linea e degli accenti corposi, e la batteria con delle evoluzioni pirotecniche, soprattutto prima dell'assolo di chitarra, quando Peart ci regala poi un mini assolo, scorrendo sui tom e chiudendo su uno dei crash. In sottofondo si sentono degli effetti sonori, come di bicchieri di cristallo infranti (mi sono sempre immaginato un'immagine del genere) e intanto è già iniziato lo strepitoso “solo” di Lifeson che ricama sulla scala frigia dominante di Si, in uno dei momenti più alti del suo repertorio solistico. Al termine dell'assolo si fa strada una sorta di special, in cui torna protagonista il synth con un suono “distensivo” e che sembra voler descrivere, a livello immaginifico, lo stato d'animo che pervade i tre canadesi quando ogni volta al ritorno da un viaggio, rivedono davanti ai loro occhi l'aeroporto di Toronto, che per loro significa ritorno a casa.

In coda c'è ancora spazio per un piccolo solo di chitarra che viaggia sull'atmosfera delineata dalla tastiera, prima di tornare ancora una volta al riff della prima strofa, ripetuta con alcune piccole variazioni, fino alla chiusura secca e che lascia nelle orecchie quanto di più godibile e appagante si possa chiedere. Tecnica a livelli stratosferici ma allo stesso tempo misura ed equilibrio, in 4'25'' di pura poesia. ALTRO CAPOLAVORO. VOTO 10

Il silenzio che intercorre tra il finale di Yyz e il riff diretto e pulito di LIMELIGHT è da considerarsi come uno di quei momenti più ricchi di pathos, che perfino ogni rush fan non riuscirebbe a descrivere a parole, per la sua incredibile “magia”. Sì, perché ancora inebriati dalla meraviglia precedente, arriva un altro colpo da knock out per le nostre orecchie. La chitarra di Lifeson ci propone un “ricamo” che resterà marchiato a fuoco nell' enciclopedia Magna del rock, seguito a ruota da un pattern di Peart sui timpani e due colpi di crash soffocato (come si dice in gergo), ed eccoci immersi nell'energia della prima strofa in cui Geddy Lee entra diretto ed incisivo:

“ Living on a lighted stage

Approaches the unreal

For those who think and feel

In touch with some reality

Beyond the gilded cage ”

Stacco strumentale con cambio di pattern da parte di Peart alla batteria, accompagnato da un fraseggio di Lifeson alla chitarra e via con la seconda strofa che segue la struttura della prima, dopo la quale arriva l'inciso, con Lifeson che subentra con un chorus d'effetto nella prima parte, mentre nella seconda, su un cambio di dinamica, ricorre al distorto e la batteria offre una ritmica più serrata; in coda Lifeson estrae dal cilindro ancora il chorus e Peart si destreggia sui piatti.

Nuovo giro di riff chitarristico e si riparte con un'altra strofa che stavolta ci regala un piccolo acuto di Lee, mentre la canzone si mantiene regolare senza alterare la sua forma. Arriviamo, verso il finale, all'assolo di Lifeson che merita una menzione a parte, in quanto uno dei suoi più belli nonché il suo preferito da suonare dal vivo. Breve ma intenso, nonché caratterizzato da un marcato utilizzo della leva, utilizzata a meraviglia sull'ultima nota del solo che rimane perfettamente sospesa e poi viene rilegata ad un arpeggio che anticipa il finale. Di fatto rappresenta il momento più “soft” e rilassato del brano, una sorta di parentesi riflessiva, che, come dichiarato dal chitarrista di origini serbe, si sposa perfettamente con lo spirito del testo. Testo che affronta il tema dell'esposizione al successo e alla fama e la difficoltà ad accettarne l'eccessiva pressione, esercitata dal mondo circostante, dai media, dal pubblico. Scritto come sempre da Peart, anche qui è presente una nota personalistica e autobiografica in quanto il batterista canadese vuole raccontare il suo stato d'animo in seguito all'enorme successo riscosso dalla band fino a quel momento, e destinato a moltiplicarsi dopo Moving Pictures. Infatti rispetto agli altri due componenti, quest'ultimo, con il suo carattere più schivo e tranquillo, ha faticato ad accettare questo cambio radicale nella sua vita. Ricollegandoci all'assolo di Lifeson, si può dire che esso voglia proprio rappresentare in senso figurato questo stato d'animo di Neil, isolato rispetto al frastuono della popolarità piombatagli addosso.

Nel finale convulso spicca una batteria varia che viaggia su piatti e successivamente su tom e timpani, dando un'impronta ritmica esplosiva.

Curiosità del testo: la frase “All the world's indeed a stage” si rifà alla prima frase del monologo di una celebre opera di Shakespeare, “Play as you like”, ovvero “All the world's a stage”.

Un classico senza tempo, destinato ad essere ricordato e ascoltato fino alla fine dei tempi. VOTO 9

Suoni di clacson, il fischio di un vigile urbano: provi a chiudere gli occhi e ti sembra di essere lì, avvolto da una nube di smog e incolonnato in una fila interminabile di auto... D'improvviso un suono di synth entra, accompagnato da un leggero rullo a due di batteria che scandisce il tempo iniziale, seguito da alcuni armonici di chitarra. La dinamica piano piano cresce fino all'esplosione finale in cui batteria e chitarra si espandono e lanciano la particolarissima ed affascinante THE CAMERA EYE. Alcuni secondi e poi ancora una pausa in attesa dell'ingresso di alcuni effetti sonori in loop, comandati da Geddy Lee, che poi ristabiliscono un andamento serrato con un drumming energico, fino alla prima strofa che vede l'ingresso del cantato di quest'ultimo. Poche frasi e capiamo subito dove ci troviamo...ovvero nella Grande Mela, si parla di New York, dei suoi palazzi e del suo traffico cittadino, con i suoi abitanti frenetici che non si fermano mai se non al rosso del semaforo per poi ripartire come un fiume in piena sui marciapiedi della città. Alcuni cambi di ritmo, con la successiva ripresa del riff iniziale ci portano verso quella che ha tutta l'aria di essere la conclusione della prima parte del brano. In effetti è così, The Camera Eye si articola in due movimenti, la prima parte dedicata a New York e la seconda ad un'altra grande città, oltreoceano, Londra.

Inframezzato tra questi due atti troviamo uno stacco strumentale in cui Peart sfodera un pattern inebriante e a tratti ipnotico, tutto costruito sulla campana del ride, tocchi di rullante ed accenti di hi-hat, mentre la chitarra riprende alla lettera l'andamento iniziale, proprio perché la struttura è la medesima e sembra di aver fatto ripartire la canzone daccapo. Invece siamo già all'inizio del secondo movimento, accolti dalla prima strofa e ci balza subito all'orecchio “London” e dopo “Westminster” cosicché capiamo subito di aver fatto un bel viaggio transoceanico fino in UK. La struttura, come detto, è identica alla prima parte, ma ci sono alcune varianti: a cominciare dall'assolo di Lifeson, coadiuvato da una linea di basso strepitosa di Lee che si sovrappone alla chitarra producendosi anch'esso in un “solo”, poco prima della frase finale, dopo la quale siamo già arrivati al capolinea del brano con un suono “sweeppato” di tastiera, che va sfumando su un suono di campane (forse quelle del Big Ben?!).

Un pezzo enigmatico e particolare, suonato rarissime volte dal vivo ma che ha sempre riscosso grande successo tra i rush fans, seppure la sua struttura musicale non sia particolarmente varia come nello stile del gruppo e spesso tenda a ripetersi.

Con i suoi 10:56 minuti e la presenza di due movimenti, si può tranquillamente definire una mini suite. E' innegabile il fascino che emana, specialmente per questo curioso parallelismo tra due metropoli come New York e Londra, accomunate da un simile modo di vivere da parte dei suoi abitanti e caratterizzate da un dinamismo e un' aurea elettrizzante, come descrive perfettamente il testo, il tutto servito in salsa “futuristica”. VOTO 8

Le campane londinesi sfumano e ci calano in un'atmosfera tutt'altro che rassicurante: ancora una campana e un incedere di tastiere si alternano al suono di alcune registrazioni di voci, urla, brusio... Dopo aver letto il titolo del pezzo e aver acceso la fantasia, non è difficile vedere un gruppo di persone che si sposta con in mano forconi e torce infuocate, intente ad una caccia alle streghe. Eh già, perché è proprio questo il contesto su cui è costruita WITCH HUNT, penultima traccia di Moving Pictures.

Inserita nella quadrilogia FEAR, come suo terzo atto, il pezzo affronta il tema della paura di ciò che non si conosce e che per questo motivo viene condannato a priori, sulla base di un pregiudizio dettato dall'ignoranza. Un intro agghiacciante e tenebroso, reso ancora più teso dalle tastiere e dal suono di una campana, di una freddezza glaciale, viene poi spezzato dal riff di chitarra di Lifeson, seguito poi dal cantato di Lee sulla prima strofa, che delinea lo scenario dark in cui ci troviamo catapultati. Subito dopo le due strofe iniziali, una sorta di “monologo cantato” poggiato sulle percussioni di Peart e i synth comandati da Hugh Syme (collaboratore storico della band), ci racconta di un gruppo di “vigilanti” che in processione, carichi di rabbia e sete di giustizia, marciano forti delle loro idee giuste e sicuri di essere dalla parte della verità. L'ascoltatore chiude gli occhi e si immagina proprio questo manipolo di esaltati, pronto a mettere sul rogo una qualsiasi persona, identificata ai loro occhi come “strega” perché dotata di un certo intelletto o certe capacità considerate “superiori” e perciò viste come elementi pericolosi e nocivi per la massa gretta e ignorante. Dietro questa sorta di scena figurativa, Neil Peart ci vuole spiegare cosa significhi essere offuscati e condizionati da una mentalità chiusa e che non ci fa vedere la verità delle cose dietro alle persone e alle situazioni della vita. Nella parte finale una carrellata sui tom della batteria lancia le potenti e solenni tastiere che caratterizzano tutto il pezzo, su quello che possiamo definire musicalmente come “inciso” anche se la struttura della canzone è particolarissima e decisamente fuori dagli schemi classici.

Nell'ultimo giro di strofa la chitarra torna a ruggire con un riff in loop su un giro di batteria secco e molto vario per poi ricollegarsi ancora ad un altro inciso in cui ritornano le tastiere e il cantato di Lee si fa cadenzato, ma allo stesso tempo potente ed estremamente evocativo:

“ Quick to judge,

Quick to anger,

Slow to understand

Ignorance and prejudice

And fear

Walk hand in hand ”

In queste frasi finali è riassunto tutto il significato del brano in questione, ed è proprio su queste che esso si avvia alla conclusione, con le tastiere sempre sugli scudi e Peart sempre eccezionale negli accenti e negli stacchi batteristici, con un basso sempre ruvido e che qui è protagonista di alcuni interventi solistici assolutamente gustosi.

In generale la chitarra di Lifeson si limita ad un ruolo di accompagnamento (seppure in alcuni live abbia una parte in più, accennando una specie di assolo) ma estremamente calibrato ed efficace per il pezzo. Le tastiere sono invece il perno su cui è costruito tutto, ed insieme alla batteria, volutamente portata ad un volume ancora più massiccio, sottolineano ed enfatizzano la “potenza” delle liriche di Lee, il quale sfodera una prestazione degna di nota, in particolare per le sue linee vocali. Paurosamente epica. VOTO 8

La coda di Witch hunt, con quel synth folgorante, si collega all'intro dell'autentica sorpresa del disco, ovvero l'ultimo brano dell'album: dopo delle parti di sequencer, si fa strada Lifeson con un fraseggio molto vicino a sonorità reggae, in linea con lo stile proposto in questo episodio; infatti VITAL SIGNS rappresenta la testa di ponte tra la seconda e terza fase della carriera dei Rush con la sua piega sperimentale.

La chitarra ha già tessuto la prima strofa, in cui parte la voce di Geddy Lee, e subito i suoi accordi in levare ci riportano al rock dei Police e alle contaminazioni reggae/rock dei loro primi album, così come anche la batteria e le percussioni di Mr. Peart che dimostra un feeling incredibile anche quanto si tratta di miscelare generi musicali diversi tra loro. Assoluto protagonista però, è - anche e soprattutto - il basso di Lee, che si produce in una linea massiccia e dal suono martellante, rendendo il brano ritmicamente roccioso. Il volume della batteria è molto alto, specialmente per l'hi-hat, in quanto qui Neil non aveva ancora ricorso a componenti elettronici nel suo drumset (che comincerà ad utilizzare negli album successivi).

Ad un tratto entra in gioco anche la tastiera, con un suono simile ad un sibilo che fa da tappeto all' ultima frase dell' inciso: “ Everybody got to elevate from the norm... ” in loop fintanto che il brano sfuma verso la conclusione. Sperimentazione azzeccatissima che apre le danze al periodo synth-oriented dei Rush e chiude il sipario su un disco a dir poco monumentale. VOTO 7,5

In conclusione cosa si può aggiungere a ciò che è già stato detto, ma soprattutto a ciò che si può ascoltare in questo disco? Nulla, solo che i RUSH danno vita ad un grande capolavoro musicale del rock di tutti i tempi, attraverso un' invidiabile tecnica strumentale sapientemente unita ad una misura ed una capacità di scrivere canzoni di assoluto impatto e che riescono a fondersi perfettamente con i testi, facendoli “vivere” in prima persona all'ascoltatore. CAPOLAVORO.

LINE UP:

Geddy Lee: Basso, tastiere, sintetizzatori e voce

Alex Lifeson: Chitarre

Neil Peart: Batteria, percussioni

Musicisti aggiuntivi:

Hugh Syme: sintetizzatori in Witch Hunt

Continue Reading

Recensione: Running death - The call of extinction

Recensione: Running death - The call of extinction

febbraio 21, 2014   Recensioni-Emergenti,

Un tuffo nel passato!
Se vi piacciono le atmosfere thrash degli anni 80, questa é la band che fa per voi. Si,  perché questo quartetto tedesco ci porta alle atmosfere tanto care a chi ascolta (o ha ascoltato) band come Annihilator, Megadeth o Testament.

Tutte le canzoni che compongono questo EP dal nome di The call of Extinction sono davvero valide e fanno il loro lavoro, ovvero quello di far muovere le "teste" agli appassionati (e non). Le 5 canzoni, in una trentina di minuti scarsi, dimostrano come i Running death abbiano le idee chiarissime sul da farsi e la qualitá della registrazione di questo lavoro gli rende giustizia.

La prestazione dei singoli é degna di nota e le idee non mancano.
La voce é incazzata quanto basta ed i cori sono davvero molto ben realizzati, perfetti per il genere, i riff taglienti come lama di un rasoio, i soli ipertecnici, la doppia cassa presente ma mai invadente (nota la rima), dimostrando una ottima varietá e una tecnica eccellente. Non aspettatevi niente di troppo originale, perché il gruppo non ha la pretesa di inventare nulla (le idee sono quelle e le avete giá ascoltate dai gruppi che ho citato in apertura) ma quello che fa lo fa dannatamente bene, mettendo molte idee e tutta la tecnica che ha a disposizione, che non é poca. Le canzoni sono tutte di ottima fattura e di livello, ma se proprio dovessi sceglierne una, probabilmente andrei su Killing for gods, con un chorus che ti si stampa subito in testa e con grandi cambi di tempo e di atmosfere nella parte centrale e conclusiva della canzone.

Se amate il genere, questa band non vi deluderá, ve lo assicuro.

Tracklist:
1) Unleashed
2) Killing for gods
3) The call of extinction
4) Celebrate your aggression
5) Hunting for heads

Continue Reading

L'entusiasta: Metallica - St.anger

L'entusiasta: Metallica - St.anger

febbraio 18, 2014   L'entusiasta,

L'entusiasta è colui che si accontenta di poco. E' un visionario e un sognatore che vede sempre il lato positivo delle cose e che ama praticamente qualsiasi cosa ascolti.

Mannaggia a tutti i detrattori e agli incompetenti, St. Anger dei Metallica è un lavoro assolutamente straordinario!
Partiamo dalla copertina: il grande parallelismo tra la forza e la ragione. Colori e tratti antichi, a tratti moderni, con riferimenti stilistici molto cari ai fumetti. St. anger, la santa rabbia, quella che ci comanda e ci governa, quella che ci fa ragionare, a volte, come animali. Ed è anche un titolo dannatamente metal. Quella mano rossa, arrabbiata, su quello sfondo arancione e quei lacci grigi che stanno a significare l'oppressione dei popoli tormentati e afflitti dai vizi e dai privilegi dei potenti. Scriverei per ore sul titolo e sulla copertina, farei quasi una tesi (se solo fossi iscritto all'universitá) ma potrei annoiare qualcuno, quindi meglio mi concentri sull'aspetto musicale.

Dopo Load e Reload, la band veniva da un (ottimo) periodo piú easy listening ma ebbe il coraggio di ritornare al passato, però senza gli schemi del passato. E qui scatta la genialitá! Sarebbe stato molto facile, anzi facilissimo, registrare un altro Black album o un altro Master of puppets, ma no, loro hanno osato... e hanno osato alla grande!

A partire dai suoni dannatamente sporchi e una produzione così apparentemente scarna, ma che in realtà avrà un lavoro incredibile alle spalle (immagino) e una batteria così lavorata da sembrare apparentemente grezza. Chissà quanto ci hanno lavorato per renderla come quella dei garage degli esordi, anzi, persino piú scarna di quella, sembra quasi di ascoltare la classica batteria di seconda mano (e pure in cattivo stato) dei 14enni che si approcciano allo strumento. Guardate dove ci "porta" la band, quanta poesia. Poi niente assoli di chitarra, scelta coraggiosissima per sfuggire ai cliche dell' heavy metal. Ebbene si, i Metallica hanno dimostrato che si può fare un album thrash metal anche senza soli di chitarra, anche se hai un chitarrista che, praticamente, fa solo quello. Ditemi se è poco. Le vocals? Quando avete registrato la vostra prima demo in garage, magari con un registratore a cassetta, cercavate il dettaglio? L'intonazione perfetta a tutti i costi? Cantavate e basta. Ecco.

Tutte le canzoni sono per veri intenditori. Beh, quasi tutte. I primi singoli Frantic e la title track sono grandi, grandissimi pezzi, ma sono pezzi abbastanza canonici, per piacere alle grandi folle. Intento nelle quali riescono, ovviamente. Ma é una volta superate le prime due canzoni che si hanno i veri capolavori. Volete che ne citi qualcuna?
Invisible Kid, Sweet amber e Purify su tutte. Quelle che hanno il coraggio di dire qualcosa di nuovo in un universo dove è già stato detto molto. Ne ho citate solo tre giusto per sceglierne qualcuna, perchè le citerei praticamente tutte. Canzoni senza filtro, apparentemente troppo lunghe, ma effettivamente pensate senza barriere e schemi mentali e, soprattutto, senza l'obbligo di piacere a tutti i costi al grande pubblico. Applausi ai Metallica. Che dire della conclusiva All within my hands? Come chiudere in bellezza un capolavoro, con quasi 9 minuti di perla finale.

Il disco non è stato recepito dalla maggior parte delle persone, ed è un vero peccato, perché i Metallica non suonano piú dal vivo praticamente nulla di quest'album. Se la gente aprisse un po' di più gli occhi scoprirebbe questo gemma. Pensate quanto sarebbe bello un concerto con St. Anger nella sua interezza.

Voto 100/100

Vi lascio con la mia preferita del disco, Invisible kid.

Continue Reading

Live report: Dream theater - Wembley Arena, London 14/02/14

Live report: Dream theater - Wembley Arena, London 14/02/14

febbraio 15, 2014   Live report,

E' la quarta volta che vedo i Dream theater (2001-2005-2011).
Si, potrebbero essere abbastanza, peró l'ultimo album da studio Dream theater mi ha convinto particolarmente, se ci aggiungiamo la formula "An evening with" che garantisce una lunga performance... ma si, andiamo, cazzolina, si vive una volta sola.

Rispetto al precedente report sulla data fiorentina di Loris, non ci sono state grosse novitá. Si sa, la band non ama stravolgere la scaletta durante il tour, che rimane praticamente la stessa per ogni tappa. Si può facilmente comprendere la scelta, data la difficoltà tecnica dei brani.

La location é la bella Wembley Arena, la seconda arena al coperto di Londra in termine di posti, che purtroppo stasera non ha il pubblico delle grandissime occasioni. Il mio posto é abbastanza buono, alla sinistra del palco, primo anello poco lontano, vedevo esattamente quello che si vede nella foto a fianco. Non male, direi.
Si fanno le 7.30 e da un mega telone viene proiettato (sulle note dell' intro False awakening suite) un bellissimo videoclip con tutte le copertine dei dischi della band in versione animata. Divertente.

Il concerto vero e proprio parte sulle note di The enemy inside e il suono è impastatissimo, ma migliorerà rapidamente. Altra pecca, lo schermo dietro la band: dalla mia postazione non si vede un cazzo perché ho le casse davanti (vedere sempre la foto). Ma non ci pensano a queste cose?? Porca di quella... Vabbè...
Riguardo lo show, conoscevo benissimo la scaletta, avendola sbirciata prima di comprare il biglietto e poi ho consolidato la conoscenza leggendo la recensione di Loris (sempre quella di prima).

Lo show è diviso in tre parti (beh, due più bis) e la prima parte era quella, teoricamente, "debole" con tanti pezzi recenti. Devo dire che non è stato per nulla così, i pezzi me li sono goduti e anche parecchio. Scopro in questo secondo che si sono cancellati tutti gli appunti che avevo scritto nel "block notes" del cellulare, canzone per canzone, e mi viene voglia di bestemmiare in aramaico antico... vorrà dire che mi affiderò solamente alla mia memoria.
Mi è rimasto impresso il drum solo di Mangini posto in mezzo alla strumentale Enigma machine. In genere odio profondamente i drum solo, ogni volta penso "ma non potevano fare una canzone al suo posto?" Invece stavolta è stato davvero gustoso, grazie alla telecamera piazzata praticamente in faccia al buon Mike che faceva il buffone (vedi foto sotto). Un'altra canzone che mi è piaciuta un sacco è stata Trial of tears, che onestamente avevo dimenticato fosse in scaletta e che ho riascoltato con estremo piacere dopo anni. Uno dei pezzi migliori del concerto.

Mangini che fa il buffone

Sui singoli: Petrucci è praticamente il direttore d'orchestra della band, suona 6 miliardi di note (perfette) a serata e nel frattempo da un occhio agli altri, soprattutto a Mangini che è quello che, per forza di cose, è meno sicuro sui brani.
Rudess è sempre abbastanza comico, soprattutto quando si stacca da tutti i suoi arnesi infernali e suona la tastiera portatile alla Sandy Marton (chi è arrivato agli ...enta saprà di cosa sto parlando, vedere foto sotto, per gli altri).
Myung musicalmente è una macchina, ma come presenza scenica non lo smuovi dalla sua posizione neanche se gli spari sui piedi o se lo investi con la moto. Mangini ha forte carisma, un grandissimo suono ed è un batterista pazzesco, ma in un paio di punti (lo scriverò dopo) Portnoy mi è mancato come una mamma al C.a.r. (citazione da Marco Masini). LaBrie è un'assoluta sorpresa. Tutti mi hanno detto che è come rinato, io ho constatato la sua forma già all'inizio della performance, ma non potevo avere la prova definitiva durante la prima parte di scaletta, in quanto tutti i pezzi proposti non sono particolarmente impegnativi da cantare (rispetto ad altri, si intende), quindi ero sempre un po' scettico. Avrò la conferma tra un pochino.

I 5 ragazzi (beh, ragazzi, forse una volta...) del gruppo vanno a riposarsi e nel frattempo vanno in scena sullo schermo (che continuo a vedere a metà grazie all'intelligenza di qualcuno) alcuni video random presi da youtube di ragazzi che suonano cover della band, in maniera appropriata o meno. Speravo di vedere il mio amico Fabio in mezzo agli altri, ma non l'hanno inserito. Fabio, ti rendo un po' di giustizia, ti pubblico io il video. Eccolo

Arriva la seconda parte del concerto che festeggia il ventennale di Awake e booom, i miei dubbi su LaBrie sono fugati. Awake è una album con difficoltà 1000 a livello vocale, ma è stato eseguito tutto (quasi) come ai vecchi tempi, incredibile, non me lo sarei aspettato.
A proposito di questa seconda parte, parte The mirror e vado fuori di testa, ma è il primo momento dove mi accorgo dell'assenza di Portnoy: nel primo minuto della canzone la batteria mi ha sempre fatto impazzire, cosa che non ha fatto stasera. Per il resto, goduria assoluta: Lie, Lifting shadows, Scarred e la Kevinmooresca Space-dye vest deliziano tutti. Onestamente Jordan Rudess non mi ha entusiasmato su questo brano, sia per quanto riguarda la scelta dei suoni che su alcuni passaggi. Mangini entra però con uno stacco epico nella seconda parte e la canzone diventa un crescendo, leggermente diversa rispetto alla versione studio, con più mordente. In ogni caso, goduria totale, mai mi sarei aspettato di ascoltare questi brani di Awake in sede live.
Chiude la seconda parte, prima dei bis, la grande suite dell'ultimo album "Illumination Theory", che non sfigura troppo dopo i pezzi proposti.

Fine di questa sessione, la solita pagliacciata del goodnight e bla bla bla.. Ma perchè fanno 'sta cosa? Ormai con internet ogni singolo spettatore sa bene che il concerto non è finito. Oltretutto La Brie aveva annunciato che avrebbero fatto qualcosa da Scenes from a memory...boh, forse lo devono dire per contratto o si divertono così, non saprei.

Appunto, Scenes from a memory, si chiude in bellezza.
L'unica cosa che non va, per me ,è il non ascoltare quest'album tutto di seguito. Interromperlo in maniera random è come uno schiaffo a mano bagnata (cit. il mio amico Antonio). Dopo Overture 1928 (sono le mie orecchie o Mangini ha sbagliato il finale?) e Strange deja vu, ci vorrebbe il dolce pianoforte di Through my words, invece parte The dance of Eternity. SSSSHAAAAA (schiaffo a mano bagnata). L'esecuzione è perfetta, ovviamente e siamo pronti (di già??) per la finale Finally free, canzone dove più di tutte si è sentita l'assenza di Portnoy, soprattutto nello stacco iniziale e nel finale, con tutte le variazioni sul tema, che Mangini non ha praticamente fatto. Per essere equi nei confronti del drummer attuale, devo dire che durante il concerto ha eseguito anche delle piccole variazioni dei pezzi che sono risultate molto gustose.

Giudizio definitivo? Il concerto è stato assolutamente meraviglioso, forse il migliore dei DT in senso assoluto, per durata e pezzi proposti.
Al momento, sicuramente il concerto dell'anno (ho visto solo questo).

Top songs: Trial of tears, The mirror, Lie.

Continue Reading

Top 10: Canzoni tristi

Top 10: Canzoni tristi

febbraio 12, 2014   Top 10,

Attenzione, ascoltare per intero questa playlist potrebbe avere degli effetti devastanti, state molto attenti. Ringrazio tutti per i numerosi suggerimenti (appropriati) forniti attraverso le pagine Facebook e Twitter, avrei potuto benissimo fare una top 50 invece che una top 10.

C'é poco altro da spiegare: come da titolo, ecco delle canzoni che, se siete indecisi se farla finita o meno, vi faranno decidere di sicuro. Ah, Marco Masini é escluso dalla classifica. Cliccate sul titolo per vedere il video, nel caso non lo vediate.

La classifica é stata approvata da Mariottide, quello che vedete in alto.

Cominciamo:

10) Black Sabbath - Solitude
La perfetta colonna sonora se vi trovate in una zona incontaminata/desertica e magari volete morirci.

9) Nazareth - Love hurts
Sembrerebbe la solita ballad, anzi, forse lo é, ma l'interpretazione del cantante la rende terribilmente straziante alle mie orecchie. Soffro quasi per lui che é stato lasciato (tipo 40 anni fa). Soffro anche per la bruttezza del video, ma quella é un'altra storia.

8) Zakk Wylde - Too numb to cry 
Dello stesso artista mi é stata giustamente segnalata In this river (canzone dedicata al chitarrista Dimebag Darrell, assassinato da uno squilibrato) che dovrebbe entrare di diritto in questa top 10. Peró, non so perché, trovo piú malinconica questa Too numb to cry. Beccatevi questi 2 minuti di tristezza.

7) Nirvana - Something in the way
Quando Kurt si mette a fare il malinconico ce n'é davvero per pochi.
In Something in the way ci racconta il suo presunto periodo "homeless" sotto un ponte, dove entra in contatto con la natura e altre robe incomprensibili.

6) Dream theater - Disappear
La canzone é triste e malinconica, con delle atmosfere efficacissime nel caso cercaste il suicidio.
Aggiungiamoci il fatto che é prolissa fino all'ennesima potenza e il gioco é fatto. Cliccate sul titolo e vi apparirá come per magia.

5) Pearl jam - Last kiss
Beh, cosa ci trovo mai di triste in questa canzoncina dall'incedere allegro?
Il testo parla di una coppia di giovani innamorati che ha un incidente automobilistico e lei muore sulle braccia di lui. Ecco, contenti adesso? Godetevi tutto l'incidente passo dopo passo, vi ho trovato il lyric-video.

4) Alice in Chains - Down in a hole
Ecco altri che non hanno bisogno di essere incitati per fare qualcosa di triste.
Facile pescare qualcosa dalla discografia degli Alice in chains, ci sarebbe l'imbarazzo della scelta. Fabio S. ha scelto questa. Un testo che fa rima con allegria.

3) R.e.m. - Everybody hurts
Un grande classico della tristezza (sembra quasi una citazione di Cecco, il fornaio di Fantozzi interpretato da Abatantuono). Gran canzone eh, ma da evitare come la peste se sei depresso o, al contrario, consigliatissima se vuoi piangere e ti manca una spinta per farlo. Anche Dwight di The office (telefilm che adoro e che vi consiglio caldamente), ha provato la stessa sensazione.

2) Eric Clapton - Tears in heaven
Esiste un avvenimento piú tragico della morte di un figlio?
Non credo, nulla che mi venga in mente, perlomeno. Certo, non é di certo il miglior modo per cercare di andare avanti, se devi cantare la canzone in questione continuamente, nei tuoi concerti. Povero Eric...

1) The doors - The end
Davvero difficile non inserire The end dei The doors in questa classifica. This is the end....my only friend, the end... Allegria, portami via, proprio...
Aveva giá vinto con il titolo ma l'interminabile versione di 12 minuti e questo tramonto mortuario nell'anteprima probabilmente convinceranno anche voi.

Godetevela in tutta la sua tristezza e non fatevi tentare da gesti scellerati, mi raccomando. Given to rock ha ancora bisogno di voi.

Continue Reading

Recensione: Adrenaline Mob - Men of honor (2014)

Recensione: Adrenaline Mob - Men of honor (2014)

febbraio 10, 2014   Recensioni,

Arieccoli! Non è passato molto dall'ultimo Omertà e, nel frattempo, sono successe tante cose. Beh, non proprio tantissime in realtà, solo che Mike Portnoy ha lasciato la band prima delle registrazioni di questo disco. "Non avevo tempo", ha dichiarato. Gli crediamo, dato che ha, grosso modo, 6 milioni di band. Gli Adrenaline Mob hanno risentito della sua dipartita? Neanche per sogno, Men of Honor è il seguito naturale di Omertà (anche la copertina è quasi identica, un po' di fantasia, cribbio) e se non sapeste del cambio dietro le pelli, probabilmente non ve ne accorgereste neanche.
Continue Reading

Recensione: Noon - 775 Lumiére (2013)

Recensione: Noon - 775 Lumiére (2013)

febbraio 09, 2014   Recensioni-Emergenti,

A cura di Fabio S.

I NOON sono un gruppo di Piacenza, nato nel Settembre 2011, e conta 4 membri: Stefania Savi (voce e chitarra), Caterina Mozzi (basso), Marco Murtas (voce e chitarra) e Alberto Maffi (batteria). Le prime due sono anche le fondatrici del gruppo stoner/rock Stake-off the Witch, mentre Marco e Alberto suonano insieme nel progetto The Link Quartet.

Dietro il loro disco d’esordio “775 Lumiére” c’è un’idea molto originale ed interessante: quella di dedicare ogni traccia ad un film, e cercare di esprimere in musica l’atmosfera e le emozioni che esso suscita. I testi si rifanno in modo diretto ai dialoghi del film o cercano di riassumerne il senso. Abbiamo così canzoni dedicate a grandi capolavori del cinema: tra gli altri Apocalypse Now, Pulp Fiction, Le Iene e Dracula. Il collegamento tra brano e film però non è affatto immediato, non stiamo parlando di colonne sonore; bisogna quindi interpretare questo binomio cinema-musica come un qualcosa di puramente soggettivo.

Il suono dei NOON ha chiare radici stoner e hard rock, un suono molto potente ed energico, in cui prevalgono soprattutto i riff di chitarra. Un suono che ricorda tra gli altri gruppi come Atomic Bitchwax, Karma to Burn e Fu Manchu. La caratteristica del genere è quella di puntare tutto sulla forza dell’impatto sonoro, e i NOON lo fanno alla grande. Le canzoni hanno spesso lunghe parti strumentali, soprattutto le intro, e presentano nel complesso delle strutture interessanti.  Anche per quanto riguarda la ritmica, è tutta una questione di potenza e presenza, e basso e batteria in questo senso fanno perfettamente il loro sporco lavoro. Insomma, una qualità sonora davvero notevole, dove si sente lo zampino di Niklas Källgren, membro dei Truckfighters, che si è occupato di mixaggio e mastering, apportando al suono quel tocco scandinavo che non guasta mai. 

Per quanto riguarda la voce, c’è invece un distacco dagli standard dello stoner: sentire una voce femminile in questo genere non è cosa da tutti i giorni, né tantomeno sentire duetti. E’ un qualcosa di molto originale, che ad alcuni può piacere, ad altri meno, ma sicuramente è una caratteristica esclusiva di questa band. Le linee vocali sono lontane da quelle di John Garcia e compagni; si rifanno piuttosto all’alternative rock e al punk/rock, e mi fanno venire in mente gruppi come Dead Weather e L7. 

Nel complesso “775 Lumiére” si presenta come un muro sonoro che colpisce sicuramente per la sua forza esplosiva. Manca qualche idea originale nell’arrangiamento, nelle melodie o nella dinamica delle canzoni, ma resta comunque un album piacevole ed interessante da ascoltare.

Tracklist:

1 - Screaming Lambs

2 - N. B. K.

3 - Dirty Harry

4 - Kurtz

5 - Reservoir Dogs

6 - Mina and the Count

7 - F. W. W. M.

8 - Pumpkin and Honey Bunny

9 - Midnight Express  

Continue Reading

Recensione Stealth - Shores of hope (2013)

Recensione Stealth - Shores of hope (2013)

febbraio 07, 2014   Recensioni-Emergenti,

Gli Stealth, una hard n' heavy band nata in quel di Ferrara, nascono nel 2007 da un'idea di Luca Occhi e Marcello Danieli. Nel 2011 la line‐up della band viene completata da Andrea Rambelli, Matia Catozzi ed Enrico Ghirelli, tutti provenienti da altre esperienze e progetti musicali. Dopo un'intensa attivitá (60 live tra serate, festival e contest con recensioni ed interviste da parte della stampa e delle TV / radio locali), la band si mette al lavoro per questo Shores of Hope, uscito nel 2013, ma appena uscito in supporto fisico (in CD, insomma).

Premiamo "play" e ci troviamo di fronte ad un'atmosfera da guerra, il tutto durerá (fortunatamente) poco e il drumming di Guns! Guns! Guns! ci introdurrá all'ascolto di Shores of Hope, che si assesterá su un Hard n' heavy abbastanza canonico e di maniera, con delle canzoni "robuste" (che non perdono d'occhio la melodia) ma con "pause" al posto giusto. Se dovessi dare un riferimento di un grande nome, il primo che mi verrebbe in mente sarebbe "Queensryche", ultima parte di carriera. Un occhio (anzi, un orecchio) alle canzoni dell'album...Si segnalano oltre all'opener, la melodica Godspeed, Nuclear Warfare, dall'incedere rapido e con un cantato particolarmente convincente, Pharaoph con un riffone metal che piú metal non si puó, Uhlnans, 1915 con meravigliosi spunti chitarristici tipicamente anni 80 (chi ha detto Metallica?) e la Hard rockeggiante (si puó dire? Si scrive cosí?) Rock beast, che ci riporta indietro di qualche anno (parecchi, in veritá).

Un disco ben prodotto e ben suonato. Strumentalmente perfetto, la base ritmica é sempre all'altezza e soprattutto molto varia. Per quanto riguarda la questione "sei corde", si nota un lavoro egregio, i chitarristi dimostrano di avere una assoluta padronanza delle loro strumento. Buono anche il cantato, anche se francamente, visto il genere proposto dalla band, ho sentito la mancanza di qualche nota piú alta, durante l'ascolto del disco. Molto buone le parti con voci sovraincise, nei cori e non.

Vi lascio con video di Ozone Fades, scorrete lungo la pagina per vederlo. Onestamente non condivido molto la scelta del brano. Nel disco, a mio avviso, ci sono pezzi decisamente piú convincenti per eventuali videoclip. De gustibus, ovviamente...
A questo punto con l'augurio che facciano un altro video.

Top tracks: Godspeed - Nuclear Warfare, Uhlans, 1915.

Tracklist:

1.  Guns! Guns! Guns!
2.  The Border
3.  Ozone Fades
4.  Godspeed
5   Nuclear Warfare
6.  Pharaoh
7.  Black Century
8.  Uhlans, 1915
9.  Rock Beast

       10. My Heaven

Contatti (pochini, eh):
http://www.stealthband.it
http://www.facebook.com/stealthband
http://www.youtube.com/stealthbanditaly
https://twitter.com/stealthrockband
http://soundcloud.com/stealthband
http://www.reverbnation.com/stealthbanditaly
info@stealthband.it

Continue Reading

Le interviste terribbbili: Virgo

Le interviste terribbbili: Virgo

febbraio 06, 2014   Interviste, La scheda - Interviste,

I Virgo. E basta.

 
1) Togliamoci subito il dente: sfogatevi e dite tutto quello che volete sulla vostra band, sul vostro album e su tutto quello che volete, potreste non averne piú opportunitá (parlo per questa intervista, sia chiaro).
Non ti preoccupare.

2) La copertina del vostro disco rappresenta uno di voi che sta urinando in mezzo al nulla?
In realtà si è appena cagato addosso.

3) Perché cantate in italiano? Non sapete una parola di inglese o è una scelta voluta?
La mente pensa in italiano. E’ un filtro naturale. E’ giusto che sia così.

4) Se foste gli Headliner in un grossissimo festival, cosa chiedereste nel vostro backstage? 
Axl Rose chiede una Jacuzzi piena di petali di rose, i R.e.m. hanno chiesto 100 asciugamani e i Van halen chiedono pacchetti di m&m's senza confetti color marrone. Potete fare di meglio?
Odalische e narghilè.

5) Ci sta il parmigiano nella pasta col pesce?
Assolutamente no.

6) Chi é che fa piú casino in sala prove? Quello che puntualmente fulminate con lo sguardo quando imbracciate gli strumenti e regolate i volumi.
I topi.

7) Se aveste l'opportunitá di fare una sola domanda a Moira Orfei, cosa le chiedereste?
Posso uscire con tua figlia?

8) Pino scotto o Richard Benson?
Alba Parietti.

9) Qualcuno di voi riesce a leccarsi il gomito? Se si, vogliamo la foto (anche in bassa risoluzione)
Lo facciamo ogni giorno.

10) Se poteste infliggere una tortura al vostro peggior nemico, legandolo ad una sedia e facendogli ascoltare un disco per 24 ore di fila a volume abominevole, quale disco gli fareste ascoltare?
Il nostro.

11) C'é un artista del vostro stesso sesso per il quale diventereste gay (nel caso non lo foste già)?
Credo sia altamente improbabile.

12) Suonereste/collaborereste mai con un artista neomelodico? Se si, per quale cifra?
Per una fornitura eterna di Aglianico, bufala e melanzane sott’olio.

13) La vita è un sogno o i sogni aiutano a vivere meglio?
Chiedilo a Marzullo.

14) Chiudete l'intervista come preferite, anche insultandomi.
Ti vogliamo bene.

Contatti:
Facebook
https://soundcloud.com/virgo-the-band Continue Reading